кьяроскуро в живописи что это
Пишем в стиле старых мастеров: сфумато и чиароскуро
Существует два классических живописных стиля, ассоциирующихся со старыми мастерами: «сфумато» и «чиароскуро», и сходства между ними не больше, чем между куском сыра и угольком. Но мы все равно путаемся в этих двух соснах, часто не разбирая, какой художник использовал какую технику.
Сфумато и Леонардо
Сфумато использует тонкие переходы тонов с целью замаскировать четкие контуры и создать живое взаимодействие света и тени. Как объяснял один из крупнейших историков искусства Эрнст Гомбрих, «…это знаменитое изобретение Леонардо… благодаря размытым очертаниям и мягким тонам одна форма сливается с другой и всегда оставляет нам пространство для воображения».
Да Винчи пользовался этой техникой с большим мастерством: улыбка Моны Лизы своей загадочностью обязана именно этому методу. Неуловимая улыбка будто тает, а нам остается лишь додумывать детали.
Как же именно Леонардо добился этого эффекта? Для всей картины он подобрал определенный диапазон тонов, объединяющих все полотно: это синие, зеленые и земляные оттенки одинаковой насыщенности. Яркие блики нарушили бы приглушенный колорит картины, поэтому мастер от них вовсе отказался. Леонардо принадлежит цитата: «Если вы желаете создать портрет, пишите в пасмурную погоду или с наступлением вечера».
Впрочем, сфумато работает и на фоне, а не только лишь в центральной части картины: средние тона мягко уходят в темноту, цвет растворяется в монохромных тенях, словно на фотографии с четко настроенным фокусом.
Чиароскуро и Рембрандт
На картинах Караваджо, Корреджо, и, конечно, Рембрандта подход совершенно иной: никаких нежных тоновых градаций, граница между светом и тенью четкая и жесткая. Центр композиции освещен очень ярко, будто светом прожектора, а окружение темное и мрачное – жгучие коричневые тона переходят в непроглядный черный.
Это и есть чиароскуро, в буквальном переводе означающее «свет и тьма», техника, созданная для передачи эффектных драматических контрастов. Эффект достигается последовательным нанесением полупрозрачных коричневых тонов. К сожалению, коричневые краски, столь любимые мастерами Возрождения, зачасту. имели в своей основе смолы, и теперь многие полотна находятся в плачевном состоянии, так как смола все время просачивается сквозь холсты.
Достичь эффекта чиароскуро в наши дни вы можете с помощью последовательного нанесения умбры (или жженой умбры для более теплых оттенков). Помните, что если вы хотите нанести пятна света рядом с темными участками, вам следует сделать тон теплее, добавив в смесь красок красной краски – это уравновесит холодные тени.
Кьяроскуро в живописи 1 000 слов Раздел в процессе наполнения и корректировки
Что такое определение и значение Кьяроскуро?
Хотя для него нет точного определения, термин изобразительного искусства « chiaroscuro » (от итальянского «свет-темный» или французское «clair-obscur») описывает заметный контраст света и тени в живописи, графике или печати и мастерство, продемонстрированное художником в управлении тенями, для создания иллюзии трехмерных форм.
Дело в том, что плотность формы обнаруживается только в присутствии света. (Например, только при приближении рассвета объекты или фигуры – до сих пор обнаруживаемые только в виде чуть более темных пятен, чем их окружение – приобретают объем и трехмерный вид.) И если свет исходит от одного источника, он освещает объекты в соответствии с определенным набором правил. Chiaroscuro описывает, как художник изображает трехмерное освещение объектов, создавая иллюзию твердых форм.
Происхождение
Считается, что художник раннего ренессанса Масаччо (1401-1428) (см. Такие работы, как «Святая Троица» (1428) и «Деньги в дань» (1426)) а также художники Высокого Возрождения Леонардо да Винчи (1452-1519) и Рафаэль (1483-1520) – впервые применили кьяроскуро для создания иллюзии рельефа – особенно в моделировании человеческого тела. Тем не менее, этот термин чаще всего применяется к работам, созданным в эпоху маньеризма и барокко, особенно кисти Караваджо (1571-1610). (и его последователи Караваджисти) и Рембрандта (1606-69).
Существует отдельный термин «гравюра кьяроскуро», который относится к цветным ксилографиям, напечатанным разными блоками, каждый из которых использует разноцветные чернила – процесс, изобретенный немцем Гансом Бургкмайром в 1508 году; в то время как «рисунок киароскуро» это рисунок на цветной бумаге, где обычно свет изображается белой гуашью, а темный – чернилами.
В чем разница между кьяроскуро и тенебризмом?
Однако между этими двумя терминами есть четкая теоретическая разница. Как описано выше, chiaroscuro – это живописная техника затенения, используемая специально для придания трехмерным объектам ощущения объема, то есть для того, чтобы они выглядели как трехмерные тела. А тенебризм – это композиционная техника темного света, при которой некоторые области рисунка остаются темными (то есть полностью черными), что позволяет при освещении одной или двум областям выглядеть сильно освещенными.
Тенебризм используется для чисто драматического эффекта (его иногда называют «драматическим освещением»). Не требуется никакого моделирования: не нужно пытаться придать фигурам ощущение трехмерности. В действительности тьма тенебриста является чисто негативной, а тень кьароскуро вносит позитивную подоплеку.
Некоторые из картин Караваджо сочетают в себе трехмерный стиль Киароскуро и драматическое освещение в стиле тенебризм. Лучшие примеры такого сочетания: Призвание св. Матфея (1600 г.), Мученичество св. Матфея (1600 г.), Ужин в Эммаусе (1601 г.), Распятие св. Петра (1601 г.), Обращение на пути в Дамаск (1601 г.) и Погребение Христа (1601-03).
В чем разница между сфумато и кьяроскуро?
Как уже отмечалось, кьяроскуро предполагает совместное использование света и тени. Однако точка встречи этих двух значений может привести к резким линиям или контурам. Леонардо да Винчи впервые применил технику сфумато, чтобы смягчить переход от светлого к темному. В своих заметках о живописи он говорит, что свет и тень должны сочетаться «без линий или границ, как дым» (на итальянском языке « sfumato» означает «постепенно исчез, как дым»). Sfumato обычно использует несколько прозрачных глазурей для создания постепенного тонального спектра от темного к светлому, устраняя, таким образом, нежелательные резкие контуры. Sfumato иллюстрируется лицами Мадонны в скалах и мягким затенением на лице Моны Лизы (c.1503, Лувр). Техника сфумато была также освоена Джорджоне (1477-1510) и Корреджо (1490-1534).
Происхождение и история Кьяроскуро
Первое использование трехмерного затенения в стиле кьяроскуро (известного как «skiagraphia» или «рисование теней» в Древней Греции) традиционно приписывают Аполлодору, известному художнику 5-го века из Афин. Сохраняясь в несколько примитивной форме в эпоху византийского искусства (ок. 400-1400), эта техника была усовершенствована на Западе в позднем средневековье и к 1400 году стала стандартной чертой как евангельской иллюминации, так и живописи.
Смотрите также наш очерк о ценности изобразительного искусства: Как ценить картины.
Кьяроскуро в эпоху Возрождения
Chiaroscuro в Северной Европе 15-го века стала важной техникой для всех религиозных художников после видения Святой Бриджит в Швеции, которая утверждала, что видела свет, излучаемый младенцем Иисусом Христом. В своих последующих изображениях Рождества Христова и других сценах с участием младенца Иисуса художники эпохи Возрождения, такие как Хьюго ван дер Гус (1440-1482), часто делали этот святой свет главным источником освещения, в значительной степени полагаясь на Кьяроскуро в этом процессе. Леонардо ( Мадонна в скалах ) был еще одним влиятельным пионером этой техники. Композиционный подход был должным образом распространен и на взрослого Иисуса в сценах Тайной Вечери несколькими художниками, в том числе Тинторетто (1518-1594). Если большинство религиозных картин в технике кьяроскуро в эпоху Возрождения служили для создания сцен безмятежности и покоя, художники маньеристы, такие как Караваджо, Паоло Веронезе (1528-1588), Джованни Бальоне (1566-1643), Жорж де Латур (1593-1652) и другие – имели тенденцию использовать его для более драматического эффекта, особенно учитывая более ранний опыт таких художников, как Уго да Карпи (1455-1523).
Для другой иллюзорной техники в живописи, см.: ракурс.
Кьяроскуро во время барокко
Барочная живопись в значительной степени опиралась на использование тени из-за ее драматического эффекта. Именно Караваджо применил драматическое освещение для достижения наибольшего эффекта с помощью своего метода тенебризма – техники, которая распространилась по всей Европе под названием караваджизм. Из-за влияния Караваджо в Неаполе, техника кьяроскуро стала особенно популярной в городе, который был вторым по величине городом в Европе после Парижа. Краткое руководство см.: Живопись Неаполя (1600-1700). Для получения более подробной информации об искусстве начала 17-го века, см.: Неаполитанская школа живописи (c.1600-56); о более поздних событиях см.: Неаполитанское барокко (ок. 1650-1700).
Кьяроскуро в течение 18-го века и в начале 19-го
Эта традиция поддерживалась в период рококо такими художниками, как Фрагонар (1732-1806), в таких работах, как « Качели » (1767, Коллекция Уоллеса) и « Болт » (1777, Лувр), а также Антуаном Ватто (1684-1721) в его праздничных сценах. В Англии на кьяроскуро полагались романтический экспрессионист Фусели (1741-1825) в « Лунатизм Леди Макбет » (1784, Лувр) и Джозеф Райт из Дерби (1734–97) в «Эксперименте с птицей в воздушном насосе» (1768, Национальная галерея, Лондон). В Испании Гойя использовал различные легкие и тяжелые кьяроскуро в таких работах, как « Христос на кресте » (1780, Музей Прадо), « Обнаженная Майя » (1800, Прадо), « Сатурн, пожирающий сына » (1821, Прадо).
Кьяроскуро
Содержание
История
Дифференциация терминов
Тем не менее, применямый в русском искусствоведении термин светотень (калька рассматриваемого в статье) подразумевает более широкое значение, общее для графики и живописи — сам прием «распределения различных по яркости цветов или оттенков одного цвета, позволяющий воспринимать изображаемый предмет объемным» — то есть это основной и неотъемлемый приём в изобразительном искусстве, который дает возможность изображения на плоскости объёма, иными словами — организации в двухмерном пространстве — трёхмерного.
Термин кьяроскуро применяется исключительно по отношению к технике, описанной выше. [6]
Источники
Примечания
Полезное
Смотреть что такое «Кьяроскуро» в других словарях:
Кьяроскуро — (итал. chiaroscuro, букв. светотень), вид цветной ксилографии; печатается с нескольких деревянных досок, покрытых красками близких оттенков; изображение создаётся градациями светотени и отличается пластической обобщённостью форм. Гравюра… … Художественная энциклопедия
кьяроскуро — ксилография, киароскуро, гравюра Словарь русских синонимов. кьяроскуро сущ., кол во синонимов: 3 • гравюра (21) • … Словарь синонимов
КЬЯРОСКУРО — (итал. chiaroscuro букв. светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких досок, покрытых красками близких оттенков … Большой Энциклопедический словарь
Кьяроскуро — (итал. chiaroscuro, буквально светотень) вид цветной ксилографии (См. Ксилография): гравюры К. печатаются с нескольких деревянных досок, покрытых красками близких оттенков; изображение создаётся в основном градациями светотени и… … Большая советская энциклопедия
КЬЯРОСКУРО — (ит. chiaroscuro светотень) распределение света и тени в живописи. Этот термин возник в Италии в 16 в. в качестве названия одного из видов гравюры на дереве, который в оттиске напоминает рисунок кистью, выполненный в колористической гамме из… … Энциклопедия Кольера
кьяроскуро — (итал. chiaroscuro, буквально светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких досок, покрытых красками близких оттенков. * * * КЬЯРОСКУРО КЬЯРОСКУРО (итал. chiaroscuro, букв. светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких… … Энциклопедический словарь
кьяроскуро — кьяроск уро, нескл., жен. и ср … Русский орфографический словарь
Гравюра — (от франц. gravure) 1) печатный оттиск на бумаге (или на сходном материале) с пластины («доски»), на которой вырезан рисунок; 2) вид искусства графики (См. Графика), включающий многообразные способы ручной обработки досок (см.… … Большая советская энциклопедия
КАРПИ Уго да — КАРПИ (Carpi) Уго да (ок. 1455 или ок. 1480 ок. 1523), итальянский гравер венецианской школы. Разработал технику кьяроскуро (см. КЬЯРОСКУРО) … Энциклопедический словарь
гравюра — См … Словарь синонимов
Кьяроскуро
Смотреть что такое «Кьяроскуро» в других словарях:
Кьяроскуро — (итал. chiaroscuro, букв. светотень), вид цветной ксилографии; печатается с нескольких деревянных досок, покрытых красками близких оттенков; изображение создаётся градациями светотени и отличается пластической обобщённостью форм. Гравюра… … Художественная энциклопедия
кьяроскуро — ксилография, киароскуро, гравюра Словарь русских синонимов. кьяроскуро сущ., кол во синонимов: 3 • гравюра (21) • … Словарь синонимов
КЬЯРОСКУРО — (итал. chiaroscuro букв. светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких досок, покрытых красками близких оттенков … Большой Энциклопедический словарь
Кьяроскуро — Уго да Карпи. Герон и сивилла. Кьяроскуро (4 доски). После 1518 … Википедия
КЬЯРОСКУРО — (ит. chiaroscuro светотень) распределение света и тени в живописи. Этот термин возник в Италии в 16 в. в качестве названия одного из видов гравюры на дереве, который в оттиске напоминает рисунок кистью, выполненный в колористической гамме из… … Энциклопедия Кольера
кьяроскуро — (итал. chiaroscuro, буквально светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких досок, покрытых красками близких оттенков. * * * КЬЯРОСКУРО КЬЯРОСКУРО (итал. chiaroscuro, букв. светотень), цветная ксилография; печатается с нескольких… … Энциклопедический словарь
кьяроскуро — кьяроск уро, нескл., жен. и ср … Русский орфографический словарь
Гравюра — (от франц. gravure) 1) печатный оттиск на бумаге (или на сходном материале) с пластины («доски»), на которой вырезан рисунок; 2) вид искусства графики (См. Графика), включающий многообразные способы ручной обработки досок (см.… … Большая советская энциклопедия
КАРПИ Уго да — КАРПИ (Carpi) Уго да (ок. 1455 или ок. 1480 ок. 1523), итальянский гравер венецианской школы. Разработал технику кьяроскуро (см. КЬЯРОСКУРО) … Энциклопедический словарь
гравюра — См … Словарь синонимов
Мрачное очарование караваджизма
Кьяроскуро, тенебросо и предельный натурализм на выставке мюнхенской Пинакотеки
Проходя по длинным туннелеобразным коридорам, вы блуждаете в лабиринте схожих сюжетов, разыгранных по правилам караваджистов: под яркими лучами незримых прожекторов на вас взирают отрубленные головы, скорбящие святые и десятки крайне реалистичных персонажей, пойманных в миг грехопадения. В Старой пинакотеке Мюнхена проходит выставка картин мастера «жестокого натурализма» и его преемников.
Пролог
Из всех старых мастеров Караваджо — один из наиболее широко обсуждаемых художников: бунтарь и провокатор, он 11 раз представал перед судом и своими новаторскими приемами навсегда изменил историю живописи. Его биография постоянно экранизируется: только в прошлом году в прокат вышли две посвященные ему ленты — документальный фильм «Караваджо. Душа и кровь» и основанная на реальных событиях художественная драма «Похищение Караваджо». А его наследие вновь и вновь вызывает споры: пять лет назад в Тулузе во время ремонта на чердаке старого дома хозяева обнаружили пропавшее в XVIII веке полотно «Юдифь и Олоферн». После длительной экспертизы работу собирались продавать на июньском аукционе, однако за несколько дней до торгов картину сняли с продаж, передав иностранному покупателю, чье имя остается засекреченным. Весь этот ажиотаж пришелся на руку организаторам многочисленных выставок, посвященных наследию мастера: «Караваджо и XVII век» в Галерее Уффици, «Караваджо и Бернини» в венском Художественно-историческом музее, «Караваджо: Марта и Мария Магдалина» в Художественном музее Далласа и, наконец, самой обширной экспозиции, охватывающей не только шедевры итальянского живописца, но и произведения его голландских, французских и испанских последователей, — «Утрехт, Караваджо и Европа» в Старой пинакотеке Мюнхена, подготовленной совместно с Центральным музеем Утрехта.
В истории искусства имя Микеланджело Меризи, по месту происхождения матери прозванного Караваджо, стоит у истоков реалистического течения, граничащего с натурализмом. Вместо театральных костюмов и декораций, которыми пользовались его современники — приверженцы барокко, он черпал вдохновение в самой окружающей действительности во всей ее неприглядности. Он писал сцены из обыденной жизни, используя в качестве натурщиков гадалок, уличных мальчишек и посетителей кабаков, и передавал их фигуры подчеркнуто реалистично, максимально объемно, мастерски играя твердыми контурами, отчеканенными линиями, контрастом света и тени: именно его некоторые исследователи называют изобретателем приема кьяроскуро. Караваджо никогда не использовал естественное освещение, настраивая в студии лампы таким образом, чтобы сцены казались происходящими ночью, а объекты выглядели словно освещенные гигантским прожектором. Выступая против любой идеализации, он отказывался от воздушных светлых тонов (его полотна отдавали мрачными коричневыми, пурпурными и изумрудными пигментами) и тщательно выписывал любые натуралистические детали — гнилые зубы или грязные ногти, из-за чего его стиль называли «жестоким реализмом», а манеру — «подвальной».
Хотя художественные реформы Караваджо вызывали протест у современников, считавших его искусство грубым и лишенным возвышенной идеи (и даже спустя два века Джон Рескин писал, что художник пренебрегает красотой в пользу «ужаса, уродства и скверны греха»), его самобытное творчество набрало немало поклонников и подражателей, которые, отталкиваясь от манеры мастера, развивали собственный стиль и воспевали в своих полотнах напряженные и сильные эмоции — грусть, печаль, боль, триумф, сострадание, обман, радость.
По словам доктора Берндта Эберта, куратора европейской барочной живописи в Старой пинакотеке Мюнхена, цель этой выставки — «показать стилистические особенности и качества утрехтских художников в контексте картин других важных караваджистов из Италии, Франции, Испании и Фландрии, сопоставляя произведения на одну и ту же тему».
Эти живописцы — уроженцы нидерландского города Утрехт — в начале XVII века отправлялись в Рим, город, где Караваджо произвел настоящую революцию в живописи. Они бродили по церквям, где висели его работы, изучали его полотна из частных собраний: например, Геррит ван Хонтхорст несколько лет прожил в доме самых влиятельных итальянских коллекционеров — братьев Джустиниани, копируя картины мастера и перенимая у него основы нового реализма. Впоследствии за совершенное владение «сумрачной светотенью» он получил прозвище Герардо делле Нотти — «Герардо ночной». Основы караваджистского натурализма развил до крайности Хендрик Тербрюгген, чьей кисти принадлежит изображение самого реалистичного — и самого безобразного — ребенка в живописи XVII века. Дирк ван Бабюрен продолжил традицию лишенных идеализации религиозных полотен, которые использовались для алтарей и развешивались в палаццо братьев Джустиниани наряду с шедеврами итальянских, фламандских, французских и испанских художников. Постепенно утрехтские художники отделились в отдельную ветвь караваджизма — тенебризм. Эта живописная манера развивает утрированное использование кьяроскуро: трагизм сюжетов подчеркивается изломанными позами, крайне натуралистичной мимикой и контрастом светотени, где тень преобладает в большей части полотен, а свет исходит от свечи или фонаря, которые зачастую прикрыты руками или плечами персонажей.
Одна из особенностей экспозиции — музыкальный аудиогид: для каждого экспоната молодые композиторы, студенты Мюнхенской высшей школы музыки и театра, сочинили по одному произведению, где старались передать те же эмоции, что изображены на полотнах. Кроме того, в залах, где проходит выставка, в вечернее время организованы концерты певцов из Баварской государственной оперы: там важную роль играет освещение, поставленное согласно манере художника. Как утверждает Эберт, подобное дополнение способно оживить «глубоко динамичный мир живописи караваджистов» и в новой форме интерпретировать драматическое содержание картин. Помимо музыкантов к работе над выставкой привлекли компанию Google: теперь на платформе Arts&Culture представлены все картины караваджистов, оцифрованные в гигапиксельном формате, и виртуальный тур по залам Пинакотеки.
Всего на экспозиции, которую собирали четыре года, представлено 75 работ; большая часть из них позаимствована из крупнейших собраний мира — Лувра, Национальных галерей Лондона и Вашингтона, Рейксмюсеума, Маурицхёйса, Галереи Уффици и Метрополитен-музея. Своей главной дипломатической победой организаторы считают появление на выставке картины «Положение во гроб», которую, как писал биограф Караваджо Джованни Бальоне, расценили как лучшую еще при жизни художника. Теперь она хранится в Ватиканской пинакотеке и благодаря усилиям Эберта — он обратился к нескольким архиепископам Европы и представителям посольств Германии и Нидерландов при Святом престоле, чтобы те подали прошение в Рим, — впервые выставляется в Германии.
Музыкальный гид к картине Караваджо «Положение во гроб» (1602—1603)
Часть 1. Свет
В этой монументальной алтарной картине размером два на три метра заключена вся художественная философия Караваджо. Сцена предстает в неожиданном ракурсе — мастер поместил точку обзора на край могилы, и плита, на которую опускают Христа, словно бы парит в воздухе. Никодим, который держит тело, смотрит в сторону зрителя, вовлекая его в действие. Вызывающей реалистичности живописец добился в изображении Богоматери — убитой горем женщины пятидесяти с лишним лет. Дело в том, что до Караваджо образ Богородицы крайне идеализировали, изображая ее молодой, однако именно так, как на картине, и должна выглядеть мать 33-летнего сына.
Фигуры образуют диагональную линию — характерный прием караваджистов, которые порой выстраивали композицию на пересечении прямых наподобие буквы Х; они проступают из темноты — художник отказался от какого бы то ни было фона, сосредотачивая внимание на драматизме сцены. Каждый из персонажей изображен в крайнем напряжении: Караваджо проработал вздутые вены на ногах Никодима (чье лицо художник срисовал с автопортрета Микеланджело), показывая, что он держит ношу на пределе своих сил. Мрачное полотно пронизано скорбью, ощущением тяжести ноши и гробовым молчанием. Эти эмоции подчеркнуты положением рук, которое Караваджо всегда тщательно разрабатывал: Мария поднимает их к небесам, в то время как руки Христа бессильно свисают, олицетворяя образ героической смерти, — это положение позже повторит Жак-Луи Давид в «Смерти Марата».
Работы на выставке разбиты по тематическим разделам: организаторы собирали рядом полотна на одни и те же сюжеты. Рядом с «Положением во гроб» висят две картины последователей с тем же названием. Кураторы сознательно отказались от показа копий, чтобы проследить, какие черты манеры мастера караваджисты унаследовали, а какие — развили в собственном стиле. На картине Николя Турнье движения фигур гораздо более спокойны и уравновешенны, тело Христа словно плывет в руках Никодима и святого Иоанна, демонстрируя французские сдержанность и элегантность даже в самый критический миг, однако драматический свет Караваджо передан в точности. Напротив, тот же сюжет у Дирка ван Бабюрена приобретает еще больший трагизм: эмоции нарочито преувеличены, лица одних фигур застыли в безмолвном ужасе, других — в бессильном крике. При этом художник развил композицию Караваджо, поместив тело Христа вдоль диагонали и развернув его ступни в сторону зрителя — стертые и пыльные, каких нет даже на полотне основателя «нового реализма».
Несколько залов посвящено вольным интерпретациям одного из наиболее известных полотен мастера — «Давид с головой Голиафа», где изображена одна из самых ужасающих библейских сцен. Молодой Давид, будущий царь Израиля и Иудеи, победил великана-филистимлянина — в искусстве этот сюжет трактуется как противостояние монотеизма и язычества. Но для Караваджо он приобрел иное значение.
При работе над «Давидом с головой Голиафа» художник опирался на одноименную картину Джорджоне, однако у него отрубленная голова не покоится на поверхности — ее, как трофей, держит в руке герой. Для мастера эта картина означала и личное покаяние. Он написал ее после одной из драк, обернувшейся смертью противника. Серьезно раненный Караваджо спасался бегством от приговора — казни через отсечение головы. В этой работе, что он написал для кардинала Боргезе — чиновника, который впоследствии вел с папой римским переговоры о помиловании художника (и добился его), — живописец изобразил себя молодого в образе Давида и нынешнего — в образе Голиафа, что, по словам искусствоведа Катерины Пулизи, «демонстрирует способность Караваджо перевести личный опыт в древние священные образы для пронзительного описания горького человеческого удела». Кроме того, на мече в руках юноши художник оставил надпись H—AS OS — сокращение от латинской фразы humilitas occidit superbiam, что означает «смирение убивает гордость».
В интерпретации Орацио Джентилески эта сцена предстает менее мрачной: его Давид, только замахнувшийся на поверженного великана, окружен пейзажем, он передан более идиллически, с преобладанием светлых оттенков. Картины Симона Вуэ и Хосе де Риберы повторяют композицию и расстановку светотени Караваджо, отличаясь лишь размером головы Голиафа. Валантен де Булонь отошел от общего взгляда на этот сюжет, добавив к сцене двух солдат — их фигуры в доспехах резко контрастируют с пастушьей туникой Давида, а на лицах застыли удивление и ужас. Здесь запечатлен миг после битвы, когда осознание триумфа только доходит до персонажей: мальчик, раскрасневшийся от сражения, еще держит в руке меч, которым обезглавил гиганта. Хендрик Тербрюгген пошел еще дальше, окружив Давида толпой восхваляющих его израильских женщин и лучами света, пронизывающими все пространство картины.
Религиозные фигуры Караваджо не были образцово бесплотными и не поднимали взор к небу, как того требовал канон. На другой важнейшей работе мастера на выставке, которую привезли из музея аббатства Монтсеррат в Каталонии, — «Святой Иероним в размышлении» — переводчик Библии изображен в задумчивости смотрящим на череп — одновременно и распространенный в искусстве символ неизбежности смерти и бренности бытия, и атрибут отшельников, показывающий их отречение от мира на пути к спасению. В этой картине художник сосредоточил весь свет на фигуре персонажа, окутанного во мрак, который резко противопоставляется алой ткани; точно следуя натуре, он не упустил ни одной складки на лбу старца, на его руках или животе и показал резкий переход в цвете рук — кисти он написал багровыми, загорелыми на солнце, в то время как остальную часть тела, что обычно скрыта под одеждами, — бледной.
Музыкальный гид к картине Джованни Серодина «Читающий святой Петр» (1628—1630)
Последователь мастера Джованни Серодин в картине «Читающий святой Петр» поставил на столе рядом с отшельником свечу и изобразил игру теней на стене, делая контраст кьяроскуро более мягким; немного утрируя посыл Караваджо, он поместил руку святого на череп. Хендрик Тербрюгген изобразил момент освобождения Петра из темницы, где тот ожидал казни. Ангел уже снял кандалы с босых и стоптанных ног святого, которые обращены к зрителю еще сильнее, чем ноги Христа в «Положении во гроб» Караваджо и Бабюрена. Крылатый спаситель окружен лучом света, что льется диагональю из оставшегося за сценой маленького решетчатого окошка; он устремляет палец вверх, возвещая назначение Петра первым римским епископом. Пожалуй, это наиболее щадящая зрителя работа среди всех картин караваджистов: она проникнута чувством изумления от столкновения со сверхъестественным и надеждой на избавление от страданий.
Часть 2. Тень
Одним из первых Караваджо начал разрабатывать бытовой жанр, используя в качестве натурщиков посетителей кабаков, уличных мальчишек и цыган. В основе второго раздела выставки — честность, с которой караваджисты изображали похоть и порок, мошенничество и обман, пьянство и азартные игры, — все то, чего так избегали живописцы, работавшие до них. Во всех этих полотнах исследователи усматривают иллюстрации библейской притчи о блудном сыне и напоминание о Божьем милосердии ко всем грешникам, готовым покаяться.
Две главные жанровые картины мастера — его ранние работы «Гадалка» и «Шулера», где персонажи невольно вступают в неравный бой с фортуной, — стали основой нескольких работ его последователей. На первой Караваджо изобразил цыганку, которая читает судьбу по руке юноши и незаметно снимает с его пальца кольцо. Ее хитрая улыбка и наивность в глазах молодого человека — образцы нового психологизма, который привнес Караваджо в искусство XVII века. Как писал его биограф Джованни Пьетро Беллори, художник искал на улицах девушку, чтобы выступить против использования в качестве моделей античных скульптур, и первым стал писать с натуры на готовый холст, опуская этап создания эскизов.
Тот же мотив обмана присутствует и во второй работе: доверчивый парень в роскошных одеждах играет с мошенником, у которого за поясом виднеются спрятанные карты. Сообщник шулера заглядывает в карты его соперника и подает знаки, их лица напряжены, а взгляды нетерпеливы. На поясе одного из обманщиков висит кинжал — эта деталь позволяет зрителю предугадать исход событий, которые обернутся не в пользу юноши. Здесь художник развивает свою световую концепцию, затемняя все, кроме лиц и карт, и впервые использует изображение фигур в три четверти.
Опираясь на эти работы, Николо Реньери создал их некий гибрид — картину «Игроки и гадалка». На ней, как и у Караваджо, молодая цыганка в голубой шали и с покрытой светлой тканью головой предсказывает судьбу юноши по его ладони, а в это время рядом группа людей играет в карты. Один из молодых людей отвлекается, и в этот миг к нему наклоняется девушка, что подает знаки человеку в темном на заднем плане, а на противоположной стороне стола солдат в шлеме тоже заглядывает в чужие карты. Вся эта сцена подсвечена столь характерным для Караваджо приемом кьяроскуро, что картину долгое время приписывали ему.
Буйство обмана продолжается на картине Хендрика Тербрюггена «Игроки в карты», где двое солдат обсуждают только что брошенные кости и вот-вот начнут драку. Пожилой мужчина, почуяв хитрость, хватается за меч, в то время как его оппонент переглядывается с сообщником. И, хотя сюжет строго следует манере Караваджо, Тербрюгген развивает здесь собственное использование композиции: как и на картине «Шулера», фигуры образуют пирамиду, однако здесь передний край стола вынесен за раму, делая зрителя одним из участников игры и вовлеченным наблюдателем. По-своему голландец обыгрывает и кьяроскуро с рассеянным светом и прозрачными тенями, которые не делают акцент на лицах героев, а целиком сосредотачивают внимание на значимых деталях — картах, кубиках, монетах, очках и мече.
Еще одна излюбленная тема караваджистов, служащая естественным продолжением мотивов азарта и обмана, — пьянство и веселье, и каждый из них по-своему пишет этот порок. На картине «Распутный студент (Веселая компания)» Геррит ван Хонтхорст изображает юношу в компании девушек: тот проверяет, много ли вина осталось в сосуде, совсем позабыв об учебе, а лежащая перед ним книга открыта на изображении борьбы Афины Паллады — богини мудрости и науки — с богом вина Бахусом и Амуром. «Веселый пьяница» Хендрика Тербрюггена, держа пустую кружку, неуклюже смеется, обнажая гнилые зубы, а в другой руке у него селедка. Этой работой художник развивал новый жанр в живописи, появлением которого история искусств обязана именно караваджистам, — изображение крупным планом человеческой фигуры в окружении атрибутов, символизирующих добродетель или порок. Вернувшись в Утрехт, Хендрик Тербрюгген, Геррит ван Хонтхорст и Дирк ван Бабюрен передали этот формат другим голландским художникам — Франсу Халсу и Рембрандту Харменсу ван Рейну, определив тем самым развитие живописи на годы вперед.
Эпилог
Караваджизм не изжил себя и в XXI веке. К его наследию современные живописцы обращаются не только в образовательных целях, но и в стремлении воздать почести основателю школы «мрачного реализма», как это делает британский художник Мэт Коллишоу. Его проект «Черные зеркала» представляет собой серию видеоинсталляций в массивных темных рамах, где в темных зеркалах, отражающих экспонаты зала, мелькают фигуры с полотен Караваджо. Как объясняет сам художник, он «хотел обратиться к тому моменту, когда Караваджо делал тех скромных людей, которые ему позировали, бессмертными, превращая их из живых существ в лучшие образцы западной живописи… Из глубин зеркала появляется неясный образ мужчины или женщины, застывший в слегка напряженной позе, — химера, дух, вернувшийся напомнить о себе через зеркало». Впервые Коллишоу представил свою работу в 2014 году в римской Галерее Боргезе, и с тех пор она путешествует по музеям современного искусства всего мира.
Впрочем, под влиянием караваджистской техники до сих пор находятся не только художники, но и режиссеры с операторами. Они учатся у мастера выстраивать композицию с помощью теней и контрастов и акцентировать самые драматичные мгновения сюжета. Организаторы выставки учли и это и вместе с компанией Kino der Kunst отобрали шедевры кинематографа, в которых прослеживается преемственность принципов мастера, — это «Психо» Альфреда Хичкока, «Синий бархат» Дэвида Линча и «Великая красота» Паоло Соррентино.