что такое медиа арт
New media art: Гид по самому современному искусству
Медиахудожник Анна Титовец рассказала, как использовать современные технологии для самовыражения
Новый спецпроект MOVE-ON посвящен активному движению к намеченной цели. Герои проекта рассказывают, как овладеть самыми актуальными профессиями и продолжить развитие в выбранной области. Не останавливаться и фокусироваться на главном поможет энергетический напиток E-ON.
Медиахудожники нашли третье измерение в споре физиков и лириков — они пишут картины на языке программного кода и преобразуют в свет и звук столетия мировой культуры. С развитием технологий их кисти и краски — компьютерные программы — становятся доступны всем желающим. Куратор фестиваля аудиовизуальных экспериментов Plums Festival, виджей и медиахудожник Анна Титовец (Intektra) рассказала, как попасть в мир медиаарта и каким будет искусство будущего.
Идеальный медиахудожник сочетает прагматический, алгоритмический ум с фантазией и художественными идеями
О себе
Все началось с фантастических книг, которые я одну за другой проглатывала в детстве, и журнала «Изобретатель и рационализатор». После окончания школы я поступила на факультет истории искусства РГГУ. Прорывом для меня стала стажировка в Манчестерском университете, где я счастливым образом познакомилась со многими мультимедиа-артистами и виджеями — на тот момент в Москве вообще ничего не знали о виджеинге. Были Вадим Эпштейн, Дмитрий Булныгин и Катя Antishanti, но они оставались в андеграунде. После возвращения в РГГУ я начала параллельно изучать визуальные практики в Институте проблем современного искусства. Из него вышло много современных художников, в том числе Ирина Корина, Ростан Тавасиев и Диана Мачулина.
Мой кубик Рубика складывался постепенно. Меня интересовали новые технологии и их применение в искусстве, и я старалась развиваться в этом направлении. В ИПСИ я вместе с другими художниками образовала группу перформансистов «Лето». Кроме того, я начала участвовать в выставках, где в разных видах присутствовали виджеинг, видеоарт и интерактив. В 2004 году состоялся мой первый «персональный» выставочный проект в галерее «Муха», довольно наивный с художественной точки зрения. Я умудрилась вместить в него перформанс, видеоарт и интерактивную световую инсталляцию. Причем электрическую схему, на которой во многом строилась концепция выставки, спаял для меня мой папа.
В 2005—2007 годах Москва переживала бум виджеинга — компьютеры и виджейские программы стали общедоступны. В городе вдруг появилась активная тусовка виджеев с горящими глазами, которые кочевали по мероприятиям, занимались экспериментами и устраивали независимые вечеринки и выставки на чистом энтузиазме. Это был очень классный, но короткий период, когда в Москве было ощущение комьюнити, где все делились информацией. До 2008 года мне повезло повиджеить на большинстве (если не на всех) фестивалях электронной музыки, которые проходили в России.
Сейчас во многих театральных постановках присутствуют видео и интерактивные технологии, но в начале—середине 2000-х на это решались единицы. В 2006 году мне удалось поработать с финским режиссером Йоэлом Лехтоненом. Мы придумали включить видеосценографию в две большие постановки — «Чернобыльскую молитву» и «Монологи вагины» в первой редакции.
В 2007 году я начала работать фото- и видеодиректором проекта OpenSpace.ru, который теперь известен под именем Colta.ru.
Plums Festival
В 2008 году в Москве не было фестивалей, которые бы объединяли аудиовизуальный перформанс с качественной электронной музыкой и выступлениями диджеев. По моим ощущениям, такой фестиваль был необходим. Вместе с художником, архитектором и участником группы «Роботы» Кириллом Маркушиным мы придумали синтетический формат — между выставкой и клубной вечеринкой — и начали искать площадку. Как раз в этот момент центр дизайна Artplay переезжал на новое место. Наши интересы совпали, мы получили место, а они засветили новую площадку с новым, технологичным и качественным мероприятием. Так появился фестиваль аудиовизуальных экспериментов Plums Festival, который каждый год проходит в Ночь музеев в центре дизайна Artplay. Я уже пять лет являюсь его куратором.
Первый фестиваль проходил почти в экстремальных условиях. Artplay тогда представлял из себя полуразрушенные ангары завода «Манометр». То крыло, где сейчас находятся БВШД и галерея Photohub, было полностью пустым. Бетон, железо, отовсюду торчат прутья, дыры в перекрытиях — это был такой жесткий индастриал. На первом Plums Fest, в частности, прошла премьера проекта Asymmetrique Answer Никиты Цымбала и Ани Абалихиной. Это был один из первых интерактивных данс-перформансов в России, который потом стал узнаваемым международным проектом.
Также в программе были аудиовизуальный данс-перформанс Monkey Production «Your Body Is a Mobile Phone», видеоарт-работы Кати Antishanti, Оли Кумегер и других русских художников, экспериментирующих с технологиями и цельным аудиовизуальным повествованием. На чиллаут-сцене выступала группа New Bazis, которая всю ночь обеспечивала «Перемещения во сне» с помощью слайдов, проекции и перформанса — при полном аншлаге.
В прошлом году я как куратор Plums Fest выиграла грант British Council для молодых предпринимателей в креативных индустриях и отправилась на бизнес-стажировку в Великобританию.
Пятый Plums Fest традиционно пройдет в День музеев, 18 мая, в Центре дизайна Artplay.
В этом году, помимо аудиовизуальных перформансов российских и европейских художников, виджей-сетов и выставки новых инсталляций и классических видеоработ, программа фестиваля включает три лекции по медиаискусству.
Что такое new media art?
С терминологией в нашей сфере есть определенные сложности. В английском языке существует универсальное понятие visual artist.
И есть понятие new media artist — это visual artist, который производит визуальный контент при помощи современных технологий.
Я отношу себя именно к new media artists. По-русски нас обычно называют «медиахудожниками» — хотя это определение, на мой взгляд, не совсем точное, потому что оно опускает важное слово «new».
Понятие new media art не существует вне времени. Когда, в начале XX века, фотокамера из технического курьеза превратилась в удобный инструмент для художника, это тоже были новые медиа — того времени. В конце 1950-х годов художники Нам Джун Пайк, Вольф Фоштелл и Питер Кампус начали экспериментировать с видеокамерами, и долгое время критики относили этот new media art к сфере массовой культуры и не признавали в нем художественной составляющей.
Только когда в 1972 году куратор важнейшей выставки современного искусства Documenta решился включить в экспозицию видеоарт, видео начали воспринимать как искусство. New media art всегда с трудом воспринимается большими художественными институциями — это цикличный процесс, который повторяется каждый раз с появлением качественно новых технологий.
New media art: Гид по искусству будущего
Термин «new media art», который в русском обычно переводится как «новые медиа» или «медиаискусство», всё чаще проникает в нашу повседневную жизнь. New media art выбрался из тёмных андеграундов, узких гиковских кругов и начал подминать под себя фестивали, галереи, арт-центры, прессу и, как следствие, умы простых обывателей. Несмотря на то что некоторые уже окрестили наши дни золотым веком искусства новых медиа, лондонский Музей Виктории и Альберта коллекционирует цифровое искусство с 1960-х, а самая ранняя работа датируется 1952 годом (Oscillon 40 Бена Лапоски). Да, эксперименты с новыми техниками в искусстве появились задолго до введения термина.
Мы уже привыкли отождествлять искусство с кино, фотографией и даже музыкой. Но за последнее десятилетие области для выражения в искусстве значительно разнообразились. Так что самое время разобраться в теме, прежде чем один из объектов new media art подойдёт к нам и потребует одежду, ботинки и мотоцикл.
Не будем сильно копаться в понятиях и философии того, что такое искусство. Ограничимся определением экспертов из Википедии: искусство — особый способ познания и отражения действительности, одна из форм художественной деятельности общественного сознания и часть духовной культуры. Обычно, под искусством мы понимаем картины, скульптуры, плакаты, фотографии, а также с недавних пор кино и даже телевидение. Однако основная функция искусства — это визуализация идеи, послания или символа. Именно поэтому в искусстве происходит деление по стилям, техникам и инструментам, а не по идеям или смыслам. Смысловое деление попросту невозможно в силу того, что искусство покрывает все возможные идеи воображения, а трактовки могут диаметрально расходиться.
Развитие современных технологий и проникновение цифрового мира в повседневную жизнь стало отличным поводом для художников освоить новые медиа. Слово «новые» в названии термина непосредственно привязано ко времени. Так как любое искусство когда-то было современным, и фотоаппарат раньше можно было считать новым медиа. Сегодня же под зонт медиаискусства попадают такие течения, как цифровое искусство, генеративное искусство, компьютерная анимация, GIF-арт, нет-арт и многие другие. Проще говоря, new media art — это искусство или ряд художественных стратегий, созданных или опирающихся на современные технологии. Вместо кистей и красок — компьютер и языки программирования.
Можно считать, что история искусства новых медиа началась больше 100 лет назад. Изобретение праксиноскопа Эмилем Рейно и фенакистископа Жозефом Плато в середине XIX века, лайт-арта (люмиа) Томасом Вилфредом и кинетик-арта Жана Тенгли в середине XX века можно считать первыми прообразами медиаарта. С развитием телевидения сразу ряд известных художников занялся экспериментами с видеокамерами и интеграцией источников отображения в свои инсталляции.
Пионеры цифровой практики начали использовать компьютерные алгоритмы для генерации изображений ещё в середине 1960-х. Это была достаточно сложная задача, так как у компьютеров того времени фактически не было интерфейсов, а полученное изображение можно было увидеть, только распечатав его. Результат был бескомпромиссным линейным геометрическим произведением искусства, чей формалистский подход соответствовал модернистской культуре. К 1970-м в практику использования машин включились художники с традиционной художественной подготовкой. А к 1980-м распространение персональных компьютеров радикально изменило природу генеративного искусства и дизайна.
Поиск новых форм художественной экспрессии всегда был естественным процессом развития искусства. Поэтому неудивительно, что экспансия новых инструментов произошла столь стремительно за последние несколько десятилетий. Причём внедрение новых подходов, подобно матрице, стремится заполнить собой всё арт-пространство. Стороной не обошли и такое консервативное направление, как граффити. Мы уже писали о гиффити — способе создавать GIF-арт через многослойные граффити. А недавно хулиган Katsu оставил свой тег с помощью дрона.
Развитие современных технологий и проникновение цифрового мира в повседневную жизнь стало отличным поводом для художников освоить новые медиа.
Сильной стороной искусства новых медиа является отсутствие физической оболочки. Часто работы, выполненные в новой технике, могут существовать только в цифровом пространстве, что усложняет экономическую и галерейную модель распространения.
К сожалению, с ростом доступности новых технологий и в погоне за славой и богатством медиаарт иногда становится самоцелью. То есть художник не передаёт месседж через новые формы и не решает проблем, а всего лишь создает красивую картинку или инсталляцию, пытаясь нарядить её псевдосмыслами. Разбираться в этом оставим критикам и кураторам, чей выбор можно лицезреть на различных фестивалях по всему миру. Смысла перечислять их все нет. Можно отдельно отметить канадский Electra, а в этом году ещё есть шанс попасть на Ars Electronica в Вене.
В России увидеть работы отечественных медиахудожников и привозы зарубежных можно на фестивале Plum Fest и на Ночи новых медиа в Никола-Ленивце. Если на Plum вы уже опоздали, то в Никола-Ленивец надо ехать в эти выходные.
Отдельной строкой стоит рассказать о рефлексии традиционного искусства над медиаэволюцией. Например, Филипп Стирнс создал пледы и ковры с глитч-текстурой, а Доминик Петрин — инсталляцию, с помощью которой у зрителя есть возможность погрузиться в восьмибитный мир. Воссозданный интерьер полностью выполнен с помощью классических медиа. Ещё один хороший пример материализации глитч-арта — это картины деконструктивиста Нанданы Гхия. Кстати, глитч-арт — искусство эстетизации аналоговых компьютерных ошибок, напоминающих сильно искажённые изображения, — в последнее время стал очень популярен среди художников. Бум популярности не обошёлся бы без приложения Glitche — работы отечественного дизайнера Владимира Шрейдера. Теперь каждый бездельник может почувствовать себя модным художником.
Эволюция форм коммуникации может и ведёт к полной смене парадигмы, но на данном этапе явления очень важно быть открытым для новых явлений человеческого самовыражения, не только с точки зрения креативности и воображения, но и с точки зрения науки и аналитики. Базовое понимание техники, которая пока на первом месте в медийном творчестве, может помочь прояснить дисциплину новых медиа, позволяя смыслу оставаться открытым.
Часто работы, выполненные в новой технике, могут существовать только в цифровом пространстве, что усложняет экономическую и галерейную модель распространения.
СОДЕРЖАНИЕ
История
Одновременно достижения в области биотехнологии также позволили таким художникам, как Эдуардо Кац, начать исследовать ДНК и генетику как новую среду искусства.
Искусство новых медиа появляется не как набор однородных практик, а как сложная область, объединяющая три основных элемента: 1) система искусства, 2) научные и промышленные исследования и 3) политико-культурный медиаактивизм. Существуют значительные различия между учеными-художниками, художниками-активистами и художниками-технологами, близкими к системе искусства, которые не только имеют разное образование и технокультуру, но и имеют разное художественное творчество. Это следует принимать во внимание при рассмотрении нескольких тем, затрагиваемых новым медиаискусством.
Нелинейность может рассматриваться как важная тема нового медиа-искусства художниками, разрабатывающими интерактивные, генеративные, совместные, иммерсивные произведения искусства, такие как Джеффри Шоу или Морис Бенаюн, которые использовали этот термин как подход к рассмотрению различных форм цифровых проектов, в которых ретранслируется контент. на опыте пользователя. Это ключевая концепция, поскольку люди привыкли видеть все линейно и четко. Теперь искусство выходит из этой формы и позволяет людям строить свой собственный опыт работы с произведением. Нелинейность описывает проект, который выходит за рамки обычного линейного повествования, происходящего из романов, театральных постановок и фильмов. Нелинейное искусство обычно требует участия аудитории или, по крайней мере, того факта, что «посетитель» принимается во внимание при представлении, изменяя отображаемый контент. Аспект участия в новом медиа-искусстве, который для некоторых художников стал неотъемлемой частью, возник из « Хеппенингов» Аллана Капроу и стал с Интернетом важным компонентом современного искусства.
Многие новые медиа-арт-проекты также работают с такими темами, как политика и общественное сознание, обеспечивая социальную активность через интерактивный характер СМИ. Искусство новых медиа включает в себя «исследования кода и пользовательского интерфейса; изучение архивов, баз данных и сетей; производство с помощью автоматизированных методов очистки, фильтрации, клонирования и рекомбинации; приложения слоев пользовательского контента (UGC); идеи краудсорсинга в социальных сетях». медиаплатформы, узкоспециализированная цифровая реклама на «бесплатных» сайтах, заявляющих об авторском праве, и провокационные выступления, вовлекающие аудиторию в участников ».
Появление 3D-печати открыло новый мост к новому медиа-искусству, соединив виртуальный и физический миры. Развитие этой технологии позволило художникам объединить вычислительную базу нового медиа-искусства с традиционной физической формой скульптуры. Пионером в этой области был художник Джонти Гурвиц, который создал первую известную скульптуру анаморфоза, используя эту технику.
Долголетие
Музеи и галереи процветают благодаря возможности разместить и сохранить физические произведения искусства. Новое медиаискусство бросает вызов оригинальным методам мира искусства, когда дело касается документации, ее подхода к сбору и сохранению. Технологии продолжают развиваться, а природа и структура художественных организаций и учреждений останутся под угрозой. Традиционные роли кураторов и художников постоянно меняются, и необходим переход к новым совместным моделям производства и презентации.
Образование
В программах New Media студенты могут познакомиться с новейшими формами творчества и общения. Студенты, изучающие новые медиа, учатся определять, что является «новым», а что нет в определенных технологиях. Наука и рынок всегда будут предлагать новые инструменты и платформы для художников и дизайнеров. Студенты узнают, как сортировать новые появляющиеся технологические платформы и помещать их в более широкий контекст ощущений, общения, производства и потребления.
При получении степени бакалавра в области новых медиа студенты будут в основном работать через практику накопления опыта с использованием новых и старых технологий и повествования. Создавая проекты в различных средствах массовой информации, они приобретают технические навыки, практикуют словарный запас критики и анализа, а также знакомятся с историческими и современными прецедентами.
В Соединенных Штатах существует множество программ уровня бакалавриата и магистра, в которых основное внимание уделяется медиаискусству, новым медиа, медиа-дизайну, цифровым медиа и интерактивному искусству.
Ведущие теоретики и историки искусства
Термин New Media Art обычно применяется к таким дисциплинам, как:
Значение слова «медиа-арт»
Что означает слово «медиа-арт»
Альтернативная культура. Энциклопедия
Медиа-Арт
течение в актуальном искусстве, использующее язык, технологии и штампы средств массовой информации —телевидения в первую очередь.
Зачатки М. как метода отслеживаются у дадаистов 1910-1920-х годов, издававших свои манифесты и обращения в форме рекламных объявлений и репортажей, постоянно запускавших в прессу утки о своих якобы состоявшихся акциях, а в визуальных произведениях активно использовавших газетные коллажи. Йоханнес Баадер, один из наиболее оригинальных представителей движения, провозглашал: «Мировая война — война газет. На самом деле ее никогда не было». Он же создал один из самых заметных дада-ассамбляжей на основе афиш и газет — «пласто-дио-дада-драму » «Величие и закат Германии» (1920). Значимым компонентом были газетные вырезки и в типологически близком дадаизму течении «мерц» — персональном проекте немецкого художника и литератора Курта Швиттерса. Швиттерс сотворил канон мерц-картины, составляемой из изношенных предметов и фрагментов газет; по аналогичной методике построил одно из центральных своих произведений, колоссальный ассамбляж «мерцбау». Использовали газету как часть изображения и футуристы, — но менее эффектно. Параллельными проявлениями М. может считаться и традиция рукодельных, малотиражных журналов, художественного самиздата.
Однако подлинное рождение М. произошло, конечно, в конце 1950-х, с массовым внедрением телевидения. Родоначальником же следует считать американо-германского художника южнокорейского происхождения Нам Джун Пайка, в своих инсталляциях впервые применившего телевизор, телеизображение и видеомонтаж. С тех пор М. — синоним видеоарта, один из его приемов, основанный на имитации или использовании телевизионных (в последние годы — и сетевых) образов.
Смотрите также:
Синтаксический разбор «Мне потребуется вечность, чтобы всё объяснить.»
Морфологический разбор слова «медиа-арт»
Фонетический разбор слова «медиа-арт»
Значение слова «медиа-арт»
Карточка «медиа-арт»
Словари русского языка
Лексическое значение: определение
Общий запас лексики (от греч. Lexikos) — это комплекс всех основных смысловых единиц одного языка. Лексическое значение слова раскрывает общепринятое представление о предмете, свойстве, действии, чувстве, абстрактном явлении, воздействии, событии и тому подобное. Иначе говоря, определяет, что обозначает данное понятие в массовом сознании. Как только неизвестное явление обретает ясность, конкретные признаки, либо возникает осознание объекта, люди присваивают ему название (звуко-буквенную оболочку), а точнее, лексическое значение. После этого оно попадает в словарь определений с трактовкой содержания.
Словари онлайн бесплатно — открывать для себя новое
Словечек и узкоспециализированных терминов в каждом языке так много, что знать все их интерпретации попросту нереально. В современном мире существует масса тематических справочников, энциклопедий, тезаурусов, глоссариев. Пробежимся по их разновидностям:
Толкование слов онлайн: кратчайший путь к знаниям
Проще изъясняться, конкретно и более ёмко выражать мысли, оживить свою речь, — все это осуществимо с расширенным словарным запасом. С помощью ресурса How to all вы определите значение слов онлайн, подберете родственные синонимы и пополните свою лексику. Последний пункт легко восполнить чтением художественной литературы. Вы станете более эрудированным интересным собеседником и поддержите разговор на разнообразные темы. Литераторам и писателям для разогрева внутреннего генератора идей полезно будет узнать, что означают слова, предположим, эпохи Средневековья или из философского глоссария.
Глобализация берет свое. Это сказывается на письменной речи. Стало модным смешанное написание кириллицей и латиницей, без транслитерации: SPA-салон, fashion-индустрия, GPS-навигатор, Hi-Fi или High End акустика, Hi-Tech электроника. Чтобы корректно интерпретировать содержание слов-гибридов, переключайтесь между языковыми раскладками клавиатуры. Пусть ваша речь ломает стереотипы. Тексты волнуют чувства, проливаются эликсиром на душу и не имеют срока давности. Удачи в творческих экспериментах!
Медиа-художники. Кто эти люди?
А всё началось с одной любопытной истории. Давным-давно, еще до пандемии коронавируса, мы задумали проект, результатом которого должна была стать импровизация танцовщиков под видео-проекции картин художника-коллажиста. Проект был сложный, поэтому мы искали прокаченных участников. И вот узнали, что есть такой Инновационный Театр Балета КАЛУГА и пригласили к себе. К нам приехали прямо из аэропорта, немного уставшие, но очень увлеченные ребята. Они рассказали, что только вернулись с фестиваля «Таврида-Арт», на котором выиграли грант. А продолжение истории читайте в интервью.
Рассказывает Андрей Горлачев, медиа-художник Инновационного культурного центра г. Калуга и Инновационного Театра Балета КАЛУГА.
Андрей, нас давно интересует вопрос — кто такие медиа-художники и какова их роль в танцевальном искусстве?
Это хороший вопрос. По факту такой профессии как медиа-художник в наших учебных заведениях не существует. Например, я по образованию фотограф. Закончил Колледж культуры по фото/видео, что предполагает не только искусство фотографии, но и режиссуру, монтаж видео. Затем поступил на кафедру фотомастерства в московском Институте культуры. Большая часть моего обучения связана с визуальностью в фото и видео сфере. А вот дальше мое продвижение к медиаискусству происходило опытным путем. Несколько лет назад меня пригласили в калужский театр сделать видео-арт к спектаклю Константина Солдатова по произведению Шварца «Дракон», с которым мы и сейчас очень плотно работаем. Я сделал видео, это была работа с проекциями, а дальше мы стали экспериментировать c этим в сценографическом плане. Всё закрутилось, и наша работа постепенно перерастала в медиа-арт.
В нём огромное количество своих подразделений — это и нет-арт, и кинетические скульптуры, и сенсорные датчики, и креативное программирование, и проекции, и генеративный дизайн.
Есть люди, которые, наоборот, вышли из программирования и стали заниматься художественными проектами. Медиа-арт — довольная гибридная структура и поле экспериментов на стыке, где огромное количество людей совершенно разных интересов, занятий и навыков, создают что-то общее. Этим мне и нравится медиа-арт, это большое экспериментальное поле, совершенно безумное.
В нашем спектакле «Это тебя касается» только за звук отвечала команда из нескольких человек, а ещё были те, кто разрабатывал инженерные решения для работы со светом, с движущейся инсталляцией, с датчиками. И кстати, разработка сайта, который является прологом к спектаклю, тоже медиа-арт. Это не просто собрать страничку, это целое произведение искусства.
Но не стоит бояться, если вы чего-то не знаете внутри огромного количества направлений медиа-арта. Только открытость ко всему позволяет двигаться дальше и учиться новому.
Расскажите подробнее про проект «Это тебя касается». Вы действительно отстаиваете идею, что человек нуждается в тактильности?
Да! Я в этом уверен, как человек, который много работает с визуальными образами, и порой моя работа может заключаться в том, что я 20 часов провожу за компьютером (что-то монтирую или снимаю). Похожее я наблюдал и в фотографии: когда фото материал отснят и я его вижу в компьютере – это одно, а когда ты его напечатал и повесил фотографии на выставке, ощутил их материальность, то совершенно иначе относишься к произведению искусства и к своему труду. Согласитесь, это странно когда ты работаешь с виртуальным пространством, вложил туда кучу сил и эмоций, но так и не ощутил их физически.
И очень забавно получилось, что темой спектакля «Это тебя касается», мы выбрали тактильность, феномен прикосновения, жеста. А в связи с пандемией она стала невероятно актуальной, даже злободневной. Прикосновение к человеку можно сказать сегодня табуированная тема.
Спектакль «Это тебя касается» — один из самых сложных постановочных процессов, которые до этого мне приходилось осуществлять. Над ним работала огромная команда прекрасных людей, настоящих профессионалов своего дела.
Он является частью проекта «Code: Провинции», который возник в августе 2019 года. Тогда в рамках фестиваля «Таврида-Арт» проходил грантовый конкурс в сфере театральных инноваций. С Ксенией Голыжбиной, руководителем Инновационного Театра Балета Калуги, мы работаем вместе давно и всегда искали художественный язык на стыке между технологиями и театром, танцем и имерсивностью. Этот принцип лег в основу проекта, руководителем которого стала Лариса Монжалей, солистка балета Калуги. Мы решили поучаствовать в конкурсе, и, к счастью, грант взяли.
Инновации – это всегда не дешево и достаточно сложно в реализации. Даже имея хорошую техническую базу в Инновационном культурном центре (ИКЦ), которая нам позволяла делать предыдущие проекты, мы понимали, что необходимо сделать шаг вперед, и для этого нам нужны новые возможности.
Это закономерно, что идея проекта, связанного с тактильностью, возникла в недрах танцевального коллектива? Ведь у артистов балета точно нет проблем с нехваткой тактильности?
Да, вопрос профессиональной принадлежности встал очень остро, спектакль имеет документальную основу, потому что мы использовали персональные истории наших танцоров. Мы попросили их сформулировать опыт очень личных тактильных переживаний. Какие они могут быть у танцовщиков, людей, которые в силу профессии постоянно контактируют тактильно с другими? Нам интересно было посмотреть, чем отличается тактильный опыт в зависимости от профессии, темперамента. Мы прекрасно понимаем, что это зависит и от национальности, южные люди к объятьям относятся проще и более естественно, чем люди западной, особенно северной, культуры.
В спектакле 14 историй по количеству танцоров плюс истории от зрителей. На сайте, который я уже упоминал — пролог к спектаклю, мы получили большой фидбек от зрителей. Их истории мы также включаем в действие спектакля.
А какие наиболее частые истории тактильного переживания встречались?
Прощание с мертвым телом, материнское касание, прикосновения влюбленных. Но были и отвлеченные примеры, босые ноги на траве. Мы для себя разработали понятие — «коэффициент телесности», про способность и необходимость человека в прикосновениях и то, как сильно это на него влияет.
Этот термин сначала возник как наше внутреннее определение. Даже по документальным материалам, что мы собрали, разница восприятия была очень заметна – сколько кому необходимо объятий в день. А потом, когда просматривали научные статьи на эту тему, узнали: у человека есть разные рецепторы, в том числе и на лице, которые реагируют сразу на наши эмоциональные центры и прикосновение к ним дает определенный сигнал мозгу. Все эти ощущения резко обострилось во время карантина, когда прикосновения стали табу.
Большое значение в спектакле имеет звук. Нашими звукорежиссерами была проведена огромная работа по поводу того, как звучат эти истории, они начитаны и слышатся довольно интересно, так как мы используем эффект сарраунда (кругового звука).
Любопытно, при том, что я занимался различными изобразительными средствами в спектакле, звук стал моим фаворитом.
В звуковом сопровождении были задействованы 5 человек: Александр Григорьев (из музыкального проекта Телетейп) написал трек для сайта; Юрий Маштаков (также из Телетейп) отвечал за запись самих историй; Павел Евсеев и Антон Васильев записали еще один шумовой трек для сайта. И Александр Тишкин, главный звукорежиссер, отвечал за общее звуковое решение — подбор звуков атмосферы, среды, их миксования.
Круговой звук (сурраунд) это кинотеатральный принцип, который позволяет создать глубину пространства, можно сказать, аудио сцену. Я сам к нему долго привыкал. Он, правда, довольно интересно звучит, и особенно в моментах затемнения, когда звуковое восприятие преобладает над визуальным, работает очень круто.
Мы долго искали нужный изобразительный язык, и нам очень помогло знакомство с ребятами из компании Плейтроника (большая благодарность Саше Пасу и Андрею Манирко). Они продвигают в частности тему музыкальной игры на предметах. Для себя мы поняли, что в этом есть и момент танцевальности. Датчики реагируют на прикосновения человека к предметам или человека к человеку. И когда происходит замыкание электрической цепи, меняются ее характеристики в зависимости от прикосновения, мы получаем этот сигнал и далее уже в программной среде завязываем ее на звуки. Подобный принцип мы используем и для света в спектакле.
Ещё у нас есть инфракрасные камеры, которые считывают движение человека и привязывают движение света к положению человека в пространстве. Это уже бесконтактная история, но с другой стороны, это прямая световая визуализация танца. И у нас есть в спектакле такой момент – прикосновения светом, самое легкое, самое тонкое. В спектакле ещё есть кинетическая инсталляция, которая была разработана командой инженеров. Она перемещается в процессе спектакля при обработке данных (это конструкция состоящая их трех колец), для нас это была такая визуальная метафора дистанции, как человек определяет для себя круги общения (кто-то для него ближе, кто-то — дальше).
Надо сказать, очень долго медиа-арт воспринимался людьми искусства и театра в особенности как некий аттракцион. Мне кажется, в этом плане медиа-арт прошел уже какую-то точку, когда перестал быть просто вау эффектом. И сейчас, когда люди достаточно насытились зрелищностью, пришел момент художественного осмысления, как это стоит использовать и где это будет органично.
В нашем спектакле не являются самоцелью показать зрителю какие-то крутые технологии в медиа-арте, напротив, мы обнаружили в этом органику: прикосновение это тактильность, это тело, это танец, это живые (интерактивные) истории, а технологии помогают передать весь этот опыт.
Кстати, насчет интерактива есть один важный момент – это в принципе некая проблема генеративного искусства – не всегда зритель понимает, что действие происходит здесь и сейчас, что оно создается в режиме реального времени. Понятное дело, мы всячески подчеркиваем — танцоры своим касанием создают музыку, а не по клику звукорежиссера это происходит. Но часто человек просто не может это прочесть, потому что подобные технологии для него еще неизвестны. Поэтому у нас для зрителя предусмотрена такая возможность, чтобы они сами попробовали эти технологии, как во время спектакля, так и в ходе небольшой лаборатории, после его окончания.
Вы согласны, что задача меда-арта как направления в искусстве — внести в существующую традицию что-то новое, инородное. То, что будет кардинально перестраивать нас и открывать новые каналы восприятия?
Для меня в свое время была шоком музыка Эдуарда Артемьева к фильму «Сталкер», в принципе он во многом перевернул мое мировоззрение, отношение к кино точно. Если говорить о медиа, есть танцевальная компания Chunky Move (Австралия), они использовали кинетические скульптуры и инсталляции с проекцией довольно давно. У них есть работа под названием Connected, это огромная кинетическая скульптура, висящая над планшетом и которая управляется движением танцоров. Это сложно в полной мере назвать медиа-артом, скорее сценография. Но на меня это произвело невероятное впечатление.
Есть медиа движение достаточно сильных художников в России – это безусловно компания «Sila Sveta», они действительно одни из лучших в мире. Мне в свое время довелось поучаствовать в воркшопах в галерее «Марс», где проходил фестиваль Touch-Fest. От названия известной программы — Touchdesigner (универсальный инструмент для медиа-художников), которая позволяет преобразовывать одни данные в данные разного характера. Например, звук в числовые значения, звук в свет, свет в движение и всё это перемешивать.
Мне нравилось, что это атмосфера такого электронного андеграунда. Люди зачастую с техническим складом ума программируют и создают художественные вещи. Это напоминало мне музыку из Берлина 80-х, действительно что-то такое андеграудное, темное, в подвалах, где светят какие-то проекторы, своего рода гипнотическое электронное шаманство. Там мне довелось познакомиться со многими художниками и увидеть работы действительно впечатляющие. Если говорить о современных русских медиа-арт художниках, то это Станислав Глазов, Ян Калнберзин, Анна Титовец, которая работала в Калуге на проекте ДНК.
Во многом меня зацепила андеграудная атмосфера этого движения, это такое варево, в котором разные люди и разные интересы сплетаются на стыке технологий и театра.
А что будет дальше с проектом?
Мы поняли, что «Code: Провинции» должен стать ежегодным мероприятием. Под это событие мы готовим большую премьеру, о которой пока не могу ничего рассказывать. Если все сложится, должно быть очень интересно. Спектакль «Это тебя касается» остается в репертуаре, и у зрителей по-прежнему будет возможность посмотреть и попробовать на себе медиа технологии.
Мы, конечно, заявляем, что «Code: Провинции» это проект про современный танец и технологии, но какие ещё темы телесности или не телесности или танца будущего будут подниматься – мы хотим, чтобы как можно разнообразнее они были!
ИКЦ стал для меня реальной точкой притяжения, потому что я успел поработать и в других городах России и покататься по Европе, а потом понял, что я работаю здесь, в Калуге, и развиваем мы с командой ИКЦ медиа-искусство здесь. Не потому что нам не нашлось места в Москве ли в другом городе, а потому что это интересно делать именно в Калуге и с этими людьми. Они наш золотой ресурс и возможно, сначала наше творчество проявляется как легкий почерк, а потом, надеюсь, у нас появится свой собственный язык, свой голос.
© Фото: Валентин Мельник, Анастасия Терентьева, Алексей Климов, Станислав Максимов
Интервью подготовила Светлана Польская