что такое биеннале современного искусства
Что означает слово «биеннале». Где находится главный центр
Биеннале – слово, относительно недавно вошедшее в активный запас русского языка. Интересно, что способствовало этому развитие зарубежного туризма в нашей стране. Однако для большинства населения всё ещё требуются пояснения.
Что такое биеннале в искусстве
Биеннале во все языки мира пришло из итальянского, где буквально значит – раз в два года: оно образовано слиянием латинских корней bis (дважды) и annus (год). Но современное значение – художественная выставка, проходящая с интервалом в два года – это слово обрело в конце XIX века, с появлением Венецианской бьеннале.
В каких странах проводятся такие мероприятия
Со второй половины XX века биеннале становится самой распространенной формой международных выставок современного искусства.
Главный центр биеннале
Звание главной биеннале навсегда закрепилось за Венецианской. Уже более ста лет, с 1895 года, она задаёт вектор развития как всех аналогичных мероприятий, так и искусства в целом.
Начиналась Biennale Arte скромно – с национальной художественной выставки 1887 года, успех которой побудил консула Венеции провести в своем городе международную выставку. Постепенно она приобрела свой классический формат: каждая страна представлена отдельным павильоном, специально для этого построенным. Сейчас временные экспозиции включают архитектуру и фотографию. Кроме того, в рамках бьеннале проводятся фестивали театра, музыки, балета, а также кинофестивали.
Русский павильон появился в 1914 году: тогда в нем прошел показ работ 68 наших художников. Следующий состоялся лишь в 1920 году. СССР участвовал в выставке только до 1934 года, несмотря на высочайший уровень интереса западной публики к советскому искусству. Возобновилось участие нашей страны в 1956 году.
Где еще проводятся биеннале
Наиболее известные биеннале — это:
География выставок такого формата не ограничивается Европой и Америкой. Так, с 1987 года они проводятся в Турции, с 1993 – в ОАЭ, а с 1996 – в Китае.
В России действуют шесть основных биеннале:
В 2017 году в Татарстане впервые состоялась Молодежная архитектурная биеннале, в 2018 в Москве – биеннале уличного искусства.
Венецианская биеннале современного искусства
В истории Венецианской биеннале был только один длительный перерыв – во время Второй мировой войны: после 1942 года выставка не проводилась. Восстановилась традиция в 1948 году, а в 1976 впервые была реализована идея общей темы и одного куратора.
В 2019 Biennale пройдёт с мая по ноябрь под девизом «Чтоб вам жить в интересные времена», известном у нас как «Не дай вам бог жить в эпоху перемен». Такая концепция предполагает переосмысление роли искусства в обществе, в котором усиливается тотальное недоверие, вызванное фальсификацией новостей и фактов.
Несмотря на заявленную идею искусства вне политики, куратор – директор лондонской Галереи Хейворда – пояснил, что основу экспозиции составят произведения, анализирующие угрозы традициям и взаимоотношениям, сложившимся в послевоенном мире. Таким образом, зритель окажется включенным в своеобразную многостороннюю дискуссию между художником и его произведением, художественных произведений между собой и аудиторией и между разноплановыми сообществами.
Куратор 58-й Венецианской биеннале 2019 года Ральф Ругофф. Фото Andrea Avezzu
Для этого предусмотрено проведение различных интерактивных мероприятиий, предполагающих погружение в среду искусства. Они дадут возможность почувствовать себя и художником, и объектом творчества. Российский национальный проект будет представлен в партнерстве с Эрмитажем.
Московская биеннале современного искусства
В истории искусства, относительно недавно, стало фигурировать такое понятие, как биеннале. Его значение нетрудно угадать по происхождению. Изначально итальянское biennale является сочетанием латинских bis (дважды) и annuus (год) — таким образом, это явление в области культуры, которое происходит каждые два года. Биеннале может быть посвящена не только искусству, а вообще любому культурному явлению, но с течением времени это стало полноценным движением именно современного искусства. Трудно точно описать, как проходит такое мероприятие, ведь форматы могут быть совершенно разными, включая, например, фестивали, выставки и художественные конкурсы. В целом, биеннале — это масштабнейшее событие, объединяющее представления работ многочисленных художников и привлекающее аудиторию со всего мира. Существуют также триеннале — выставки, проводящиеся раз в три года.
Источник фото: 34travel.me
Как и история самого понятия, история биеннале началась в Италии. Венецианская биеннале стала самой первой выставкой данного типа и до сих пор остаётся самой известной и престижной. Она прошла в 1895 году, лишь немногим более века назад. Уже тогда участие в форуме принял российских автор — скульптор Леопольд Бернштам. Стоит отметить, что как в те годы, так и позднее участие в подобных мероприятиях давалось России очень сложно. Зачастую, а особенно в дореволюционное время, художникам из нашей страны не предоставлялись даже залы и павильоны, а самим авторам в большинстве случаев не представлялась возможность прислать свои работы, чтобы показать их без личного присутствия. Со временем ситуация сильно изменилась: Борис Кустодиев получил главную награду в Венеции, а позднее биеннале стали проводиться и у нас, постепенно увеличивая свои масштабы и количество.
В мире достаточно известных примеров богатого разнообразия биеннале. Среди них:
Среди российских особенно выделяются Московская биеннале (современного или молодого искусства), Ширяевская биеннале современного искусства, Красноярская музейная биеннале. Хотя биеннале и существуют для демонстрации совершенно разных направлений, в наше время они фокусируются и оказывают наибольшее влияние на молодое искусство. Выставка служит своеобразным толчком и вдохновением для авторов, а масштаб события побуждает создать что-то радикально новое, чтобы выделиться из множества конкурентов.
Источник фото: tatlin.ru
В таком подходе и заключается особенность формата и отличие от стандартной выставки. Организация является сложной структурой и проходит много этапов. Обычно организаторским составом избирается и приглашается международно известный куратор, а иногда и несколько. Затем группа гостей выбирает кандидатуры художников, которые будут реализовывать в своих работах также избранный ими девиз или основную тему/идею бинеалле. Такую тему называют кураторский высказыванием. Такая система несёт в себе цель побудить авторов создавать произведения именно под определённое событие. Этот подход одновременно ограничивает и даёт новое поле для эксперимента, что в итоге выражается в создании новых жанров и тем в искусстве в широком плане, что и является основным способом развития современного искусства. По таким принципам проходит и знаменитая Московская биеннале современного искусства. Являясь одной и самых современных выставок среди крупных биеннале, она появилась в 2005 году. Однако история её создания уходит значительно дальше. Ещё в 90-х годах обсуждалась теоретическая возможность начала её существования и будущий формат. Главными личностями, оказавшими на идею наибольшее влияние и участвовавшими в продвижении были два российских куратора, обладающие мировой известностью — Иосиф Бакштейн (искусствовед, критик и культуролог, входящий в топ-50 наиболее влиятельных персон в российском искусстве) и Виктор Мизиано (теоретик искусства и главный куратор России на Венецианской биеннале). История сложилась не очень благополучно — между основателями произошёл конфликт интересов, помешавший осуществлению планов и отложивший открытие форума. Впоследствии у поста руководителя проекта остался лишь Бакштейн, а Мизиано продолжил работу в качестве куратора в Венеции. Данная ситуация будет не последним конфликтом вокруг Московской биеннале.
Источник фото: a-a-ah.ru
Уже с первого появления выставка обрела достаточно крупный масштаб и собрала около 40 авторов из разных стран. Развитию поспособствовало и то, что под флагом общего события были объединены все художественные выставки, проходившие в Москве в соответствующий период. До 2019 года включительно с полным размахом проходили все запланированные события. Проблемы, связанные со сменой структуры организации и скандалом вокруг невыполнения обязанностей президентом события не помешали презентовать свои работы 34 художникам, представляющим 11 стран. Выставка проходила в Новой Третьяковке и была представлена 50 самостоятельными работами. На данный момент Восьмая Московская биеннале современного искусства является последней. В 2021 году фестиваль не проводился из-за антиэпидемических ограничений и сложностей в участии зарубежных гостей. Несмотря на препятствия последних лет, российское художественное сообщество с нетерпением ждёт возвращения одной из главных и наиболее значимых биеннале страны. Доводилось ли вам когда-нибудь побывать на одной из подобных выставок? Расскажите о своих впечатлениях в комментариях!
Зачем идти на биеннале современного искусства в музее Уитни в Нью-Йорке
В коллаже использованы работы Брайана Белотта, Даниэля Линд-Рамоса, Вангечи Муту, Александры Белл
Уитни не просто Музей американского искусства, это его главный музей. И Whitney Biennial не просто самая главная и самая старая в Америке выставка современного искусства (первая прошла в 1932 году), это настоящая выставка достижений этого их хозяйства, попасть на которую — это примерно как выиграть соцсоревнование. В этом месте думаешь, что сейчас тебе предъявят что-то пламенно-протестное, что-то, как написал важный американский арт-критик Холланд Каттер, Occupy-style, учитывая то, как накалена американская жизнь сейчас, какой колоссальный политический раскол переживает Америка. Ничего такого не происходит. При том, что все слова — diversity, racism, colonialism, refugee, immigrant, violence и прочие, — которые разрывают сегодня американское общество на части, тут произнесены и за каждым объектом тут есть какое-то из этих слов. И это как раз абсолютно ожидаемо. А вот что неожиданно, так это практически полное отсутствие всякой агитации, плакатности и вообще прямого алармизма. Все драматичное, амбивалентное, трагичное, травматичное и ироничное, фрустирующее и прочее содержание плотно упаковано в формально изощренную, сложную и трудоемкую арт-работу.
Две молодых женщины, два молодых куратора Уитни — Руджеко Хокли и Джейн Панетта — сделали свою работу так классно, что перед глазами публики предстало тщательно устроенное, продуманное и рассчитанное, как французский регулярный парк, арт-шоу. И это их настоящая победа на фоне той истерически взвинченной интонации, которая сейчас захлестывает Америку.
Биеннале занимает 5-й и 6-й этажи музея, спускается на 3-й, а на 1-м, прямо над билетными кассами, висит роскошное многоцветное знамя Джеффри Гибсона, составленное в технике пэчворка из прямоугольников с надписями типа «his story», «her songs», «she makes», «their votes», «thay want», как карта разнонаправленного коллективного американского сознания в его нынешнем турбулентном состоянии.
75 художников участвуют в нем в этот раз. Чтобы их выбрать, кураторы посетили более 300 студий. Принцип определения «американскости» примерно таков: если ты немец, но живешь и работаешь в США, — ты американский художник, если, напротив, ты американец, но живешь и работаешь в Берлине, — ты тоже американский художник. Участники биеннале происходят со всего мира — от западно-украинского Львова до города Луиза в Пуэрто-Рико, — описания их этнической принадлежности комбинируются не то что из двух, но иногда из четырех слов, три четверти из них моложе 40 и большинство еще не мелькает на арт-рынке, не продается на потоке. Как отметили все, степень инклюзивности тут такая, которую еще невозможно было представить 10 лет назад, и теперь это новый стандарт для Уитни.
В этом новом инклюзивном стандарте, в этом этническом, расовом, гендерном и географическом разнообразии можно, конечно, увидеть и результат позитивной дискриминации, которую у нас принято ругать даже больше, чем феминизм и #MeToo, но кумулятивный эффект этой выставки, стилистический и концептуальный, показывает и доказывает, что если есть видение, то все работает, все складывается в картину современной сложности и многозначности. И за ней, за этой картиной, за тем, чтобы понять, как работают принципы этого нового мира, сюда тоже стоит прийти.
Придумать форму и сказать о политике
Современное американское искусство постоянно говорит о политике — к такому выводу придет каждый, кто будет внимательно ходить по этим залам. Но для человека, чуждого американским реалиям, тут, конечно, нужно внимательное чтение экспликаций на стенах или кураторская экскурсия. Потому что практически все, что сейчас показывают в Уитни, действительно можно воспринимать сугубо эстетически. Можно ходить по этим галереям и смотреть на фактуры и приемы, всяческие метаморфозы того и другого. Тут все увлечены формальными задачами: первое, что отмечаешь, это как кропотливо, как изобретательно все художники работают с материалом, из которого сделаны их вещи, как вообще важен выбор материала в современном искусстве. И эти материалы самые ординарные — те, что окружают художников в их повседневной жизни; чем они обыденней, тем лучше, ничего исключительного тут нет, как нет ничего особенно технологичного, и практически никакого диджитала. В этом тоже особенность нынешней биеннале, которую отмечают все, сравнивая ее с предыдущей, — она получилась такой hand made, это просто песнь во славу ручного художественного труда.
Если подняться на 6-й этаж (а биеннале лучше осматривать именно так, сверху вниз), сразу направо от лифта видна довольно примечательная штука: статуя, собранная из кокосов, палок, веревок, старой керосиновой лампы и синего брезента. Ее сделал Даниэль Линд-Рамос — тот самый пуэрториканский художник, который живет в меленьком прибрежном городе Луиза и сделал из всего того, что буквально лежит на его заднем дворе. То, что это дева Мария, понимаешь довольно быстро, еще не прочитав названия «Maria-Maria»: по груди, сделанной из кокосов, по короне, сделанной из какого-то старого мешка, расшитого бусинами, но главное — по синему хитону, сделанному из брезента, которым накрывают поврежденные и ветхие здания. Этим же синим брезентом затянуты многие дома в его родной Луизе вот уже два года со времен урагана Мария — одного из самых сильных в истории Пуэрто-Рико, снесшего пол-острова и убившего три тысячи человек.
В тот момент, когда ты это узнаешь, сразу вспоминаешь визит на разрушенный остров Дональда Трампа и понимаешь, что дома в Пуэрто-Рико до сих пор стоят затянутые вот таким вот синим брезентом, спрятанные под ним без всякого ремонта, — вот откуда плащ. Так трогательная, изобретательная и остроумная скульптура сразу расширяет свой смысл, и этот синий брезент плаща девы Марии становится единственным покровом для страждущих, которые оставлены в одиночестве справляться с тем, что сделал ураган Мария.
Рядом одна из тех немногих тут работ, которые довольно прямо говорят о политических темах — насилии, расовой предвзятости, провалах правосудия. Журналист Александра Белл взяла так называемое дело любительницы бега в Центральном парке 1989 года, когда группа афро- и латиноамериканских подростков была обвинена в изнасиловании белой женщины. Все они провели в тюрьме от 7 до 13 лет, пока не выяснилось, что обвинение ошиблось. Белл берет газетные полосы за 10 дней — с 21 апреля по 1 мая 89-го, — делает их фотокопии и развешивает на стене, зачерняя части страниц, выделяя маркером куски текста, размывая пикселями лица, и показывает, какую вакханалию устроила пресса с крупными планами лиц подростков и заголовками типа «Teen Gang», «Joke for Teens», «Rape a Laughing Matter». Заканчивается все страницей рекламы, озаглавленной «Bring Back the Death Penalty», подписанной и оплаченной Дональдом Трампом.
Возникающее здесь имя нынешнего президента США не упоминается в экспликации ни к одной из работ на этой выставке, и даже у Александры Белл присутствует только на фотокопии газетной полосы.
Оставшись сугубо художественным событием по силе высказывания о современности, в том числе социального и и политического высказывания, биеннале при этом оказалась очень внятной. И ее художественный статус не изменил даже скандал, которому посвящено вполне пропагандистское видео Triple-Chaser лондонской арт-группы Forensic Architecture. Оно показывает историю гранат со слезоточивым газом Triple-Chaser, которые использовались против гражданских лиц на американо-мексиканской границе. Их производит компания Safariland, основатель которой — Уоррен Б. Кандерс — входит в попечительский совет музея Уитни, и когда все это всплыло, начались протесты. Одну из петиций подписала куратор биеннале Руджеко Хокли, другую — почти половина участвующих художников (Кандерс, кстати, пока остался на месте). Но устроители биеннале не стали использовать пиар-потенциал этого скандала.
Выбрать материал и вспомнить историю
В целом мысль, что нужно вспомнить то, что было в прошлом предвзятого, расистского, репрессивного и вообще плохого, чтобы не повторять это в будущем, — не нова; то, что это повторение, этот регресс пугает именно сейчас — довольно очевидно. А вот то, что для каждой эмоции, переживания, заботы, тревоги и прочего нужен свой конкретный материал или комбинация материалов, в чем и состоит аутентичность, — довольно оригинально.
Например, поверхность работ Троя Мичи издалека выглядит абстрактной, а вблизи оказывается переплетением полос из нарезанных страниц старых порножурналов или журналов мод, где есть фото черных мужчин. С этой плоскостью он работает, как с холстом или доской, то есть наносит на нее краски. В результате поверхность получается многослойной и причудливой, и на ней Мичи рассказывает историю zoot suit. Так называли костюм с высокой узкой талией, широкими плечами, лацканами и брюками, который стал своего рода униформой черных музыкантов в предвоенном Гарлеме, Детройте, Чикаго, — эти костюмы тут видны, если присмотреться к нарезке. За ним стоял месседж, обращенный к белым: «Мы не можем позволить себе вашу моду, но мы можем создать свою». В 1943 году случилось так называемое восстание zoot suit: группа белых военных атаковала черных мужчин в zoot suit якобы потому, что во время военного дефицита они непатриотично расходовали слишком много ткани на свои костюмы. Фактически же в этих беспорядках был именно расистский смысл, потому что zoot suit носили, в основном, черные и латино.
Поверх этого Мичи рассказывает свою собственную историю — историю цветного парня, который родился и вырос в Эль-Пасо, Техас, который не показывает публике свое лицо, его называют человеком-невидимкой. Отсылка к роману Герберта Уэллса вплетена в эти полосы, и эти горизонтальные и вертикальные границы — расистские и ксенофобские — для него вполне реальны. Так многослойная поверхность отражает многослойное содержание — и да, на расстоянии выглядит чистой абстракцией.
Самая дальняя галерея на 5-м этаже с видом на парк Хай-Лайн отдана Брендану Фернандесу. Он описывает себя как бывшего канадско-кенийско-индийского балетного танцовщика, который сейчас живет в США и занимается искусством. И эта его hiber nature, его сложная самоидентификация совершенно соответствует тому, что мы видим: на черных ковриках стоят предметы, которые выглядят, как минималистичные орудия пыток, и которые на самом деле предназначены для балетных упражнений, а в центре — структура, напоминающая строительные леса. Вечером пятницы, а также днем в субботу и воскресенье, тут появляются балетные танцоры и устраивают перформанс, а все остальное время слышен стук пуант по полу.